动画网站联合企划“世界瞩目的动画制作工作室开创的未来”Vol.13 David Production

David Production代表作：《JOJO的奇妙冒险》系列，《工作细胞》，《天堂餐馆》。

电视动画片《JOJO的奇妙冒险》系列制作工作室；David Production，通过在动画片当中还原原作漫画的魅力而获得粉丝们的支持。高质量的作画技术仿佛像原作人物在动一样，同时在动画片中加入“拟音文字的插画”等细节，让漫画粉丝们共同称赞“这才是‘JOJO’!”， 这样的David Production工作室追求的原点是什么呢?

现任David Production代表的董事社长梶田浩司，曾先在GONZO公司担任代表。之后他与同样目标的合伙人一起独立，并在2007年创立David Production工作室。 我们采访了代表，梶田浩司先生与笠间寿高先生两个人进行了交谈。同样，笠间寿高先生跟随梶田先生一起从GONZO公司转籍，在此担任TV动画《JOJO的奇妙冒险》系列的动画制片总监。

[采访·构成=中村美奈子]

回归原点认真地面对作品

——从GONZO工作室独立出来建立新工作室的时候，是否想过要创造什么样的工作室呢?

梶田浩司(以下简称梶田)

独立前无论是动画策划，还是作品方向性的琢磨，都无法到达最理想的状态。因为需要遵守四季的季度预算，很多时候都在没有完善的情况下，不得不开始制作。结果，无法追求影像质量，故事情节也无法充分的融合为一。

那一段时期，我每一天都一般听动画粉丝的反馈，一般进行反省。

从那时开始，我想回到原点“认认真真的进行制作”。我想改善制作中不顺利的事情，建立一个认真面对作品的工作室。

所以首先，我想要不依赖数码制作从手绘制作开始。其实GONZO工作室的强项是数码制作。但是，我想坚持使用手绘制造的部分。其次，我也想在教育新动漫制作者的部分上用力。

——笠间先生也是David production工作室的创立成员之一，您与梶田先生合作的动机是什么呢?

笠间寿高(以下简称笠间)

当时我在动画制作现场和梶田有同样的感受，所以我也想加入David production工作室。

为了实现梶田的理念；“在手能够得着的范围之内里，从基础开始认真进行制作”，我思考了如何面对制作，并且认真的面对了每一位成员。

就像“回归原点”这个词一样，从公寓的一个房间重新开始(笑)。

创作者把绘画机放在榻榻米上，因为制作办公桌放不进去，所以在一边在被煜一边工作，真正的从手可以购得着的范围内开始工作。

所谓武器就是对原作的彻底研究和挑战精神

——从创立到总负责《天堂餐馆》(2009年)制作为止，工作室经历了怎样的辛苦?

梶田

成立之后的两年，与其说是辛苦，不如说是扩张眼界的学习期间。为了学习关于制作的思考和方法论。我们去拜访了很多制作公司，其中从业界屈指可数的前辈们中得到指导，并且通过他们进行了锻炼。我们并不考虑利益，通过帮助其它工作室的作品，学习到了很多知识。

笠間

从日程管理方法到对品质的追求，各个公司的做法和想法都如此不同，真的是学到了很多东西。

在此之上，我为David production制片公司作出了答案。我认为专业的动画制作者应该按照作品和客户的需求，制作出最合适的作品，并不需要讲究死板的统一格式。

——也就是说，再次站在观众的视角面对作品。我认为这个理念在TV动画《JOJO的奇妙冒险》系列的影像中表现得非常好。那么，作为动画制作工作室，你们的武器是什么呢?

梶田

接到作品之后，首先要彻底学习作品。作品的哪些地方受到了粉丝的欢迎，为什么原作会持续这么久呢。支持作品的粉丝们，是怎样的群体，我们与导演和创作者，作品爱好者的工作人员一起，彻底的进行学习会。我认为首先正确的理解原作是动画制作的第一步。

笠間

但是，仅仅这样的话就会成为“原作的模本”，所以动画制作的时候，我们会在此基础上加入，“粉丝心中的‘JOJO’模样”进行重合。

实际上，《JOJO的奇妙冒险》（原作第1部&第2部）、《JOJO的奇妙冒险星达斯特克赛德斯》(原作第3部)并不是按照原作作画，而是摸索出了粉丝印象中的JOJO画面。

具体来说，我们进行了视觉设计和画面设计，让粉丝能偶最深刻的记住作品风格。我们分析了原作第3部之后《JOJO》特征，无论看哪个系列都能感受到在看同系列动画感，虽然看动画的时候看起来很切近与原作，但实际上加入了原作漫画中没有的场景，对动画人物进行对比之后会有意外的不同让粉丝们吃惊。我们能做到的“附加价值”，就是这样“制作出粉丝心中、粉丝想看的影像”。

不仅是TV动画《JOJO的奇妙冒险》系列，委托原作制作的所有作品也如同。

梶田

其次是，不做同样的事情，一定要加入新的事物。

《JOJO的奇妙冒险》的主题是制作一瞬间就能看出来是《JOJO》的画面，以此为命题，进行了视觉开发和演出方法的开发。我们将“是否奇异?”为各种各样的事情的评价的标准。

关于TV动画《工作细胞》,我们想借鉴迪斯尼乐园和KIDZANIA这样的娱乐公园,采用细胞们让观众也一起体验在体内发生的着各种各样的事情,并且进行了开发。

对于画面背景也很讲究，天空绝对是粉色的，接近表皮的地方是光照一样。这些想法也是采用员工提议后诞生的。

笠間

是这样的。当我跟其他人说“这个不错吧”，他们看过后也会说 “我也感觉很有意思，那就就开工吧，我和其他人也谈一谈。”通过这样的头脑风暴，作品就会变得越来越有意思。

因为大家都抱着“自己想用动画做这样的事情”而进入这个行业里，所以我想要珍惜这些意见。

我和总监会将反应作品原汁原味的“框架”准备好，然后在这个框架中，每个工作人员再去想如何为作品服务，并自发地进行思考。所以我们制片者团队的体制就是去支持这些工作人员的创意和工作。

梶田

我们平时就会说:“不要放着不管，哪怕是一个新点子，如果能成功就很幸运呀。”

笠間

我们的想法虽然是最好不要失败，但比起什么都不做，那还不如在跌倒中摸索着前进。我们会在公司不倒闭的前提下不断进行挑战的(笑)。

作画向全数码化的转换

——成立工作室之初工作室“舍弃了数码制画”，但现在反倒是以“全数字作画”的制作体制为特色，那么在工作室内是如何进行制作体制转换的呢?

梶田

我和笠间经历了单元制画成长为数码制画过渡的时代，所以我们认为数码制画一定会成为主流。

因此，需要培养员工，以及实际去接触器材和软件的同时，怎样使用才能更好的利用器材。

因此从2009年左右开始，数码制画室室长宇治部正人为首，开始组建团队，并且努力向全数字作画发展。

现在，导入新加坡卡卡尼公司开发的附带自动中割生成功能的2d动画制作软件“CACANi(卡卡尼)”。

2、3年前在日本贩卖的时候，因为BUG很多很难使用，所以没怎么普及。但是宇治部先生继续琢磨“实际上说不定，还挺好使用”，并对缺点和想要得到的功能提出了申请，结果意想不到的软件公司做出了修正……这样慢慢重复的过程中软件的性能提高许多。

——在员工培养方面，工作室在做什么样的事情?

梶田

我们从一开始就让员工通过数码制画进行学习。以前,首先一定程度在纸上磨练自己的技术后再进行数码,但手绘线形成的魅力在把握立体对象中的能力会减弱,所以还是数码制画能够学到的优点更多。

如果不怕被误解地说，思考“动画”是，画就是“素材”。

一开始就学习数码制画，对于自己制造的画如何被各种各样的演出所使用，也自然更容易能偶接受。

相反更加有空去注意，如何与其他的人协力画面，或者如何在动画制作分工中捉住，更好的制作映像等有意识去工作。

3年前左右，我们把透光台全面换成了液晶平板电脑。

并且，手绘分镜画和制画的数字化之外，为了对应映像方面的进化，我们新成立了CG部门。

我认为2D、3D和VFX的边界今后会越来越模糊，必须变得模糊。

到目前为止，我们的CG都是委托制作、合作制作，但为了利用影像表现的模糊性而制作出充分又能驱动画面的动画，最好是在同一个工作室里由导演参与制作。虽然成立还没过多久，但是现在已经开始渐渐见效了。

——你觉得数码制画的优点和缺点都是什么呢。

笠间

数码制画的优点主要有两个。

其一，相关移动上的时间损失和成本都减少了，可以更加集中于绘画的制作。

信息的共享也很简单了，沟通问题和传达问题也减少了。有人说数码制画减少了制画没有直接关系的事物，可以在追求品质中利用时间真是太好了。

另一个是，通过各部门的工作人员都使用同样的软件所以“一起在制作一部作品的素材”的意识有所增加。原画、动画、背景、CG等，其他的素材一起配合完成的抵触感也减少了，部门之间的无缝化得到了进展。

通过数码化,各个部门的工作人员的交流中有了,“如果这样可以的话,再看看这样的可不可以”等,制作者能够以更广阔的视角了解自己的工作了。

硬要说缺点的话，就是业务的门槛降低了，自由度也提高了，但是制作流程也变得复杂了吧。

梶田

但是，还是想让想做的人不断的做，手绘分镜画也推荐数码化。

从分镜的阶段开始，就能在一定程度上把握住尺的形象，所以可以向在旁边工作的动画师提出“想要制作这样的素材”或者“能画出这样的画吗?”我也经常看到这样的对话。

每天都能实际感受到带着数码化这个轴，各种各样的创作者们顺畅地联系在一起，合作在增强。

甚至有人会，用视频软件在自己编辑的影像上加上音乐，然后跟他人分享“想这样做”。

被踏入工作领域的人会受到不小的打击（笑），所以希望大家互相能够充分考虑这一点，并且不断挑战。

——为了创造这样的环境，平时都有注意哪些事情呢?

梶田

根据至今为止积累的经验，形成了现在的制作体制。由于数码化，角色的模糊性和变化经常发生，但是基本都以“把时间投资到最有附加价值的地方，灵活运用”制作体制。

我自身是，有意识公司内外的沟通，“总之就是，经常询问大家的想法”。

TV动画《工作细胞》在中国反响很大，在Bilibili动画中播放了1亿4千万次，创下了开始以来的最高纪录。我去中国出差，无论去哪里都成为话题，所以我问粉丝“你觉得哪里有意思?”，我得到了和我完全不同的想法，这对我们很有参考价值。

现在萌系和幻想作品比较多之中，以人的体内为舞台，将细胞拟人化的构思，得到了好评，这是一部除了动漫粉丝之外，普通层也能欣赏到的珍贵作品。

这种感觉是万国共通的，而且以一般层为视角的企划如果很好地符合的话，在世界上也容易扩展，这是让我感恩的作品之一。

用动画为地球注入元气

——工作室的目标是什么?

我们的理念是“用动画的力量创造地球的活力。”。

因为我们是动画的制作公司，所以总是为了制作出有趣的作品而全力以赴，希望能有各种各样的观众来看我们，然后变得更加有活力。

但这一理念包含的意义并不仅仅如此。

认认真真地面对作品，充满贪欲地进行制作，才能更好的磨练出好的感性和技术。首先需要能让观众乐在其中，首次作品才能称为“好商品”赚回利益。

如果可以向海外等观众进行定制，或是根据分发等媒体进行定制的制作的话，商业模式也会发生变化。如果成功的话，地球也会变得有活力吧(笑)。

作为工作室一直在技术革新和人,任何一个时代都能享受目标影像作品的制作,优质的作品,作为“商品”商业模式中获得利润的标,动画业界的人梦想拥有这样的企业目标。

笠間

我想制作出让粉丝都印象深刻的作品。

我自己，不仅是动画，成长过程中有从各种娱乐中获得了快乐。所以想要把这些回馈给粉丝，也想要以自己的方式留下点什么。

最重要的目标不是在某一年被消费完，而是10年后也能让制作出让人印象深刻的作品。

梶田

笠间先生一直在正猛烈的挑战。不断的踩油门(笑)。

笠間

梶田说要设立CG部门，不仅仅是我，作为制作的一大挑战，现在正在着手制作融合2D和3D的新动画。我希望能很好地利用彼此的优点来制作胶卷。

梶田

在2019年播出的TV动画《偶像梦幻祭》的制作，使用CG模型制作了很多又唱又跳的作品的过程中，我们希望能表现出和其他作品稍微不同的特征。

虽然现在还无法详细描述，但是我正在积极地挑战将2D和3D融合在一起，将会有前所未见的歌唱场景呈现给粉丝们。

为了暧昧2D和3D的概念，从盖瓦开始，做了相当大的跳跃的挑战。

笠間

用我自己的说法来说，看了影像和娱乐节目后感动往往来自“不一样”的视觉效果。

换一种说法，会觉得“不习惯”，也会说“心理”、“习惯”、“毒气”，我认为如果没有这些突显的东西，就不会有作品的乐趣。

由于3d是以建模等的预设作为基本，所以最终画面容易被均匀化。

在此基础上加入不易形成均匀的手绘2d影像进行搅拌，以此来养成习惯，这是我个人的见解，将2D和3D变得暧昧。

——真是想象不到那会是什么样的动画呢？越来越期待了。那么，最后请二位给粉丝们留言吧。

笠間

我想制作一部对观众能留下某种创伤的作品。当然，是那种好的意义上的“伤口”啦。“JOJO的奇妙冒险” 系列的TV动画也会再接再厉的，敬请期待。

梶田

为了制作出让参与制作的人们开心，也能让观众的人生变得丰富，那样充满活力的作品，我们会继续努力的，请大家多多支持我们。

日版原文来自Otaku Coin

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